El trabajo de un animador es hacer que los personajes sean creíbles, que piensen y tengan personalidad, el comportamiento del personaje debe crear en la audiencia una sensación de empatía para que puedan sentirse identificados, y más importante deben ser entretenidos. Todo esto debe hacerse con claridad para contribuir y contar la historia de manera efectiva.
Pero ¿cómo podemos acercarnos a una buena actuación de nuestros personajes? ¿qué es lo que hace buena a una animación de personaje?. Estos 5 puntos a continuación me han ayudado a mejorar como planear y ejecutar de la manera más efectiva la actuación en las animaciones.
1. Grabar/Buscar referencias
Antes de siquiera tocar la computadora, siempre es bueno preguntarse ¿Para esta acción, necesitaré referencia? Si es algo que vas a animar por primera vez o que no tengas mucha experiencia, es recomendable buscar referencias en internet e incluso grabarte a ti mismo.
Pero por qué grabar referencias es importante? Esto ayuda a sentir como el cuerpo se mueve, que tanto tiempo le toma a una parte del cuerpo realizar un movimiento, que se mueve primero y que otra parte lo sigue, puedes darte cuenta de pequeños detalles como ticks o mañas que algunas personas hacen sin siquiera notarlo, y esto le dará un plus a tu animación.
And now for some inside-baseball-animation-nerd stuff. It’s common for animators to film themselves for reference before they start animating, and since Over the Moon had such a natural style, I used it a lot. So please enjoy a thread of my goofy acting: pic.twitter.com/Xy7bMSqfLs
— Janel Drewis (@the_jan_man) January 29, 2021
2. Trabaja con pequeños segmentos
Te asignaron un plano de 15 segundos en el que tu personaje entra a un salón de clases, se sorprende, mira la hoja de su horario y se da cuenta que está en el salón equivocado por lo que procede a salir del salón.
Es aterrorizante pensar en que tienes que animar todo eso, no sabes por dónde empezar, por ello recortar tu timeline en pequeños segmentos ya sea en cantidad de frames (20 frames, 50 frames, etc) o en acciones (entrar al salón de clases, sorprenderse, mirar la hoja, salir) te ayudará a concentrarte solo en esa parte y el agobio será menos.
3. Qué pose cuenta mejor la idea.
Esta será la base de tu animación, estas son las poses claves con lo cual transmites la historia a la audiencia. Para ello necesitas identificar quién es tu personaje, cuál su estado emocional, sus pensamientos, lo que siente y si tendrá cambios de emoción durante el plano. Una vez sabiendo eso, podemos saber dónde debe estar la línea de acción, y con ello tener poses dinámicas, agregar contraste entre los elementos del cuerpo, tener siluetas definidas que apoyen el lenguaje corporal, recuerda que el lenguaje corporal comunica mucho más que las palabras.
4. Breakdowns
Una vez que tengamos nuestras poses claves debemos crear los breakdowns, estas son las poses de transición, puedes ir de posea A a pose B de mil maneras diferentes, y la forma en la que lo hagas determinará el estado de ánimo y la intención del personaje. Evita colocar justo a la mitad (en tiempo y/o posición) tu breakdown siempre intenta favorecer a alguna pose, esto evitará que el movimiento/acción se sienta robótico.
5. Ritmo
Básicamente es la combinación de tiempo y espacio, cómo pasa y cuándo pasan las cosas. Trata de establecer el ritmo en tu plano el cual no sea repetitivo, que tenga variación, contrastes y acentos bien definidos. Esto ayuda a mantener a la audiencia interesada en la actuación del personaje.
Mouse Flute - Animation Anlysis from San_oOo on Vimeo.
El tener todo esto en mente además de los 12 principios de animación suena complicado de ejecutar, pero es cuestión de práctica, y no solo al momento de estar frente a tu computadora, el observar en la vida diaria te ayudará a mejorar la actuación de tus personajes.
Jocelyn Aguayo
Animador 3D
Animador 3D, amante del cine y todo tipo de animación, tímida en el exterior pero valiente de corazón.