La relevancia de este tema está en que muchas personas que se embarcan a realizar un proyecto animado lo emprenden con grandes expectativas y ganas de arremangarse a comenzar el proceso de producción lo antes posible, pensando que van a terminar sus películas más rápido si comienzan a animar sin tantos preámbulos. También suelen invertir menos dinero en las preproducciones tratando de guardar el capital para la realización. A veces sucede que dejan por fuera algunos pasos de la preproducción por desconocimiento de las exigencias de su proyecto. 

¿Cuál es el problema? ¿Por qué pareciera más complejo cuando se trata de un animado? 

Pues una preproducción de animación, en esencia, es tener cubiertas todas las piezas necesarias para crear las secuencias animadas. Tomando en cuenta que cada segundo de animación equivale a muchas horas de trabajo especializado, es de suma importancia tener todo muy bien calculado. El reto es no permitir margen a la improvisación.

Normalmente hay más pasos en los preparativos de una animación y muchas veces el problema es que estos pasos dependen de lo particular de cada proyecto.

En el momento en que se tiene un guión aprobado el director y el diseñador de producción deben examinar cómo comenzar y cuales pasos pueden ir avanzando en paralelo.

No tiene que ser complejo si se definen los siguientes parámetros a tiempo:

1. El método de animación
Marionetas, lápiz o computadora

 Cada método tiene su estética y transmite diferentes efectos en el espectador, pero es importante no escoger solo por su valor visual, a su vez cada método tiene procesos muy distintos que modifican las etapas de producción. Lo principal es estudiar las dificultades del guión en base a la técnica que se pretende usar para animar, ya que no es lo mismo una escena de lluvia torrencial en animación tradicional, stop motion o animación 3D. 

Un ejemplo de cómo puede variar la pre entre métodos se puede apreciar en la realización de los personajes, en todos se realizan diseños dibujados de todas sus vistas y diferentes expresiones faciales, pero con stop motion se tienen que crear físicamente las marionetas con articulaciones, sets de rostros con diferentes emociones, ropas y accesorios; estas piezas son confeccionadas en un proceso incluso artesanal. En la animación 3D también se modelan marionetas y se programan para tener esqueletos que se comporten como cuerpos; a diferencia del stop motion estos esqueletos se pueden rehusar en otros personajes, en cambio, en animación tradicional no se necesitan.

Actualmente se estila combinar métodos para mitigar posibles dificultades técnicas que generen gastos o tiempos muy elevados. Se le puede hallar un valor simbólico a un personaje 2D en un mundo 3D que funcione para tener un presupuesto realizable.

Estudiar cada escena y desglosar todos sus elementos, saber que implica elaborar una utilería o un efecto en el método de animación que se ha escogido y determinar si a lo largo de la narrativa será un método efectivo. Y si solo se cuenta con un método, la recomendación es ajustar el guión a esa técnica. 

2. Departamento de Arte 
Imágen, piezas y estilos aprobados

Luego de definir el método de animación se debe vincular con una estética, paletas de colores, estilos gráficos, desarrollo visual de acuerdo al target y a la simbología de la narrativa. Estos conceptos visuales quedan definidos antes de comenzar a animar en una biblia de estilo que contiene el look de cada personajes, fondos y utilería. Adicionalmente se escogen escenas importantes de la historia para ser ilustradas con detalles que abarcan el tipo de ambiente e iluminación que el proyecto busca para su imagen final

El departamento de arte extiende su labor dependiendo del tipo de proyecto, como ha sido indicado en el punto anterior, ya que si se van a crear espacios y marionetas serán llevados a fin por un director de arte que supervisa la ejecución desde el punto de vista plástico.

3. El storyboard
Las ventanas que delimitan

El storyboard es el primer salto de las palabras a lo visual, sitúa a los personajes en su contexto y cerca la mirada del espectador. Una secuencia suele ser muy diferente dependiendo del punto de vista y las narraciones se valen de ésto para mostrar o esconder información, esto es clave en el lenguaje cinematográfico, pero también muy importante cuando hablamos de recursos ya que sirve para reconocer lo que será necesario y no desechar recursos en lo que no se verá. De manera que si el guión se sitúa en una playa pero los planos de cámara apenas muestran unos pasos en la arena, con el storyboard podremos ver que no hará falta crear todo un espacio de playa con agua y palmeras incluidas, disminuyendo con seguridad costos y tiempos de realización.

4. El audio, las voces y la música 
El ritmo y las emociones son base

Un proceso que no puede pasarse por alto en ningún tipo de animación es tener el grabado de la banda de audio, principalmente las voces, todos los diálogos tienen que ser grabados en la preproducción. Los animadores crean la actuación, los movimientos y gestos de los personajes basados en el audio de los actores de doblaje, no solo para que el personaje actúe en consecuencia a lo que dice y que haya sincronía de las voces con las bocas sino también para mantener el tiempo de la escena bien calculado en diálogos que impliquen más de un personaje.

Los efectos de sonido y la música pueden ser añadidos luego, pero en cada proyecto se debe precisar si son necesarios para animar, si el proyecto es un musical la preproducción debe contemplar un tiempo adecuado para que se realicen las piezas musicales, de ser el caso esto conlleva a una serie de actividades y personal que generan nuevas dinámicas y costos.

5. Animatic
Audio y narrativa visual juntos por primera vez 

Con el resultado de todos los parámetros anteriores se hace un montaje audiovisual que recrea la película de principio a fin, utilizando los dibujos del storyboard más otros nuevos con detalles de las acciones de cada escena, se sincronizan a un track de audio que contiene todos los parlamentos, la música y los efectos. Es un corte de edición que dictará que sobra y que falta incluyendo los movimientos de cámara para permitir visualizar la fluidez de todo el material.

El animatic debe ser muy bien estudiado para que puntualice todos los mensajes de la narrativa. Normalmente en postproducción un editor decide dejar muchas cosas por fuera en pro de que la película tenga un mejor ritmo o más claridad, pero en animación lo que se intenta es que el animatic contemple estos asuntos para no invertir esfuerzos en partes que no queden para el corte final.

Un animatic bien logrado es el que nos dará la luz verde para comenzar a animar dando pasos seguros y sensatos al buen término de la película.

6. Equipo Técnico
Hardware, software, mesas de dibujo, cámaras, tintas, plastilina y cartón 

Con el método de animación y las técnicas de estilo se define cual es el equipamiento indicado para que cada escena del proyecto pueda ser realizada en el menor costo sin dejar de ser fiel a la idea original. Se debe contar con el respaldo de un director técnico que sepa usar cada elemento sacándole el mayor provecho ya que en muchos casos se pagan alquileres y licencias por el uso de las herramientas.

En conclusión, la idea es que quede muy claro lo que se debe generar y darle el tiempo necesario en preproducción siempre intentando resolver procesos en paralelo. Todo preparativo está diseñado para el éxito de la realización, lo que se logre tener definido antes de empezar a darle forma al contenido va a ayudar a que la producción fluya sin mayores contratiempos, dejar de analizar algo puede convertirse en un error en etapas de producción siendo mucho más costoso. Esto puede traer serias consecuencias en el acabado final de la obra o incluso en dejarla inconclusa

La toma de decisiones, las pruebas y la exploración artística se hacen sustentables en la preproducción, brindando el tiempo para encontrar soluciones creativas a los desafíos de la imaginación y creando bases firmes para la ardua tarea de animar.